Artists: Elssie Ansareo, Ibon Aranberri, Manu Arregui, Clemente Bernad, Abigail Lazkoz, Maider López, Asier Mendizabal, Itziar Okariz, Aitor Ortiz, Juan Pérez Agirregoikoa, Sergio Prego, and Ixone Sádaba

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Guggenheim Bilbao Museum
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GUGGENHEIM MUSEUM BILBAO
Abandoibarra Et. 2, 48001 Bilbao, Spain

Museum information desk: (+34) 94 435 90 80
Information: informacion@guggenheim-bilbao.es
Opening hours: Tuesday to Sunday from 10:00 a.m. to 8:00 p.m.

Chacun à son gout presents a selection of contemporary Basque artists who have all produced new projects in an exhibition specially conceived for the Guggenheim Bilbao Museum’s tenth anniversary.
Taken from Diderot, the title of the exhibition champions individual taste and freedom of choice. As a phenomenon relative toperception and time, taste may evolve according to social and individual preferences, and is influenced by class, gender, geopolitics, and aesthetic education.
Every new artwork, every new exercise in interpretation contributes new perspectives to the public’s reservoir of tastes and values. The twelve selected artists are part of a generation established in the late nineties using international art languages to respond to the complexities of their local milieu.

Elssie Ansareo’s La Danse des Flâneuses is a large photographic mural that dramatizes identity and otherness, situating familiar imagery alongside a gallery of phantasmagorical characters. This timeless genealogy subverts social hierarchies of origin and status.

Horizons is a series of bright pennants by Ibon Aranberri that zigzag from the roof of the museum, recycling and modifying Chillida’s graphic and sculptural legacy. In an ironic linguistic operation, cultural and political icons and anagrams are reconfigured to playfully demystify symbolism and memory.

In his latest film, Disarmingly Cute Manu Arregui explores the physical and psychological transformation of Vanesa Jiménez, known as “the glass girl” due to a degenerative illness, to question the concept of hyper-reality and the ethics of TV reporting.

Clemente Bernad uses photography as a social document in series that are either commissioned by newspapers or the result of his own inspiration, such as Day Laborers, Basque Chronicles, and Open Tombs a report on extreme left-wing Turkish prisoners.

Abigail Lazkoz’s black-and-white drawings double as a kind of restrained, synthetic writing in 130,000 Years of Last Tendencies, a large mural work that alludes to the art industry’s obsession with fashion and novelty, while recalling burial rites as a form of anthropological culture.

Maider López returns to the concept of spatial geometry to work an ironic, chameleonic transformation on one of the museum’s more classically designed galleries. By turning it into a “Frank Gehry gallery”, the artist borrows the architect’s signature style to question notions of authorship.

In Nom de guerre, Asier Mendizabal takes an apparent ready-made from an incident of street violence: a can that burns away on a concrete block like an urban joss-stick holder. In the limpid context of the museum building, the flames act as a sign of social angst, questioning both notions of control and the commemorative function of sculpture.

Sentences like Have You Given in to Your Desire to Master? are inscribed on placards by Juan Pérez Agirregoikoa to signify social urges and political violence. Some of them are to be found in Project Turned into Installation, fixed to a sports hurdle.

With Irrintzi, an action shot on video, Itziar Okariz moves around the museum emitting irrintzis, an ancestral Basque shout. This tour in sound apprehends the space semantically in a play of contrasts between remote signifiers, such as the traditional connotations of the irrintzi and the spectacular modernity of the Guggenheim Bilbao.

Aitor Ortiz’s Y combines a series of photographic panels with a real opening in one wall of the museum. The work explores our phenomenological perception of architecture and the lines between reality, sculpture and photographic representation.

The concept of sculpture as intervention rather than merely object has led Sergio Prego to install Sequence of Dihedrals in the courtain walls of the museum Atrium. Although the title appears to be a simple allusion to geometrical abstraction, the work is in fact a conceptual challenge to the actual function of art in a museum.

Ixone Sádaba explores issues of identity by splitting her own image, organizing theatrical dance routines in sublime, apocalyptic landscapes. Poétique de la disparition and Leviathan are two photo series in which intimate or atmospheric turbulence becomes a metaphor for a tragic, contemporary dysfunction.

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Curadora: Rosa Martínez 
Centro Cultural Andratx. Mallorca. España. Marzo-Agosto 2002

Artistas seleccionados: Ana Laura Aláez (Bilbao, 1964), Pilar Albarracín (Sevilla, 1968), Helena Almeida (Lisboa, 1934), Vasco Araújo ( Lisboa, 1975), Miquel Barceló (Felanitx, 1957), Cristina García Rodero (Puertollano, 1949), Ferran García Sevilla (Palma de Mallorca, 1949), Susy Gómez (Pollença, 1964), Rogelio López Cuenca (Nerja,1959), Juan Muñoz (Madrid, 1953-2001), Santiago Sierra (Madrid, 1966), Néstor Torrens (Tenerife, 1954), Eulàlia Valldosera (Vilafranca del Penedès, 1963), Joana Vasconcellos (París, 1971)

Mallorca, como muchas otras islas del Mediterráneo, ha sido tierra de piratas, y el mito del Sur y el sol la han convertido en un paraíso de temporada. Este hecho, junto a la constatación de que los artistas que provienen de la «periferia» ibérica han de tener un enorme coraje para sobrevivir en un contexto internacional extraordinariamente competitivo, me llevó al título de La Canción del Pirata para la muestra que ahora se presenta en el Centro Cultural Andratx.

Desde el Romanticismo, la figura del pirata está rodeada de un aura de valentía, fuerza y coraje. El pirata respira libertad, contempla anchos horizontes, está poseído por el impulso de una ambición sin límites. El mar es su casa; el riesgo, su condición de vida. Como dice la canción, ama el peligro, y en la tormenta encuentra su equilibrio…. Este idealismo acentúa su carácter como ser sin patria y sin ley, pero omite la violencia de la razón económica que subyacía en sus viajes. En Andratx se cuenta que, en 1396, los piratas se llevaron hasta las hostias del sagrario de la iglesia del pueblo… Los piratas solían trabajar por cuenta propia, mientras que los corsarios -utilizando las mismas estrategias- solían ser mercenarios al servicio de intereses geopolíticos o imperiales de los estados.

Proviene también del Romanticismo la visión del artista como un genio atormentado, un ser diferente, un luchador bohemio que persigue el ideal de una creación permanentemente renovada. Y es cierto que es tarea del artista crear mundos, combatir los estereotipos, reinventar los lenguajes, ansiar el infinito. El verdadero artista, como decía Rafael Alberti, es un pirata cuyo deseo es «robar la aurora de los cielos». Hoy, la romantización del artista, como la del pirata, puede resultar algo «kitsch». Y, sin embargo, todavía funciona en nuestro imaginario y conforta como símbolo de libertad a aquellos que no encuentran refugio en el orden existente.

Los 14 artistas seleccionados no son piratas, pero tienen algunas de sus cualidades heroicas. Ana Laura Aláez, Pilar Albarracín, Helena Almeida, Vasco Araújo, Miquel Barceló, Cristina García Rodero, Ferran García Sevilla, Susy Gómez, Rogelio López Cuenca, Juan Muñoz, Santiago Sierra, Néstor Torrens, Eulàlia Valldosera y Joana Vasconcelos provienen de diferentes regiones de España y Portugal, y son para mí ejemplos extraordinarios del rigor crítico, la pasión, la fantasía y la capacidad de navegar por los agitados mares de la producción artística contemporánea. Algunos, como Miquel Barceló, Juan Muñoz o García Sevilla, son ya aclamados internacionalmente. Mujeres como Helena Almeida y Cristina García Rodero han conseguido sólo recientemente el reconocimiento que su constancia, su valentía y sus poéticas se merecían. Y los más jóvenes apuntan visiones y rutas significativas en el inicio del siglo XXI.

Sólo la reflexión crítica permite dilucidar de qué sustrato ideológico emergen nuestras prácticas, qué vacíos queremos llenar con el consumo desaforado de imágenes, mensajes, lugares, y qué sitio ocupa el arte en este torbellino. El arte es pasión y pensamiento, pero también producción. La producción y el consumo, como afirma la antropóloga Mary Douglas, generan riqueza material e intelectual. Sin embargo, el liberalismo imperante quiere un consumo veloz y sin resistencia… Por eso los artistas son necesarios: para abrir los instantes e interpretar críticamente el tiempo que les ha tocado vivir.

En contextos como el español y el portugués, el apoyo institucional a las prácticas contemporáneas más arriesgadas no es todo lo constante que debería y, frecuentemente, muchos de nuestros creadores más significativos han tenido que emigrar. No podemos, pues, sino celebrar que los promotores del Centro Cultural Andratx, Jacob y Patricia Asbaek, hayan asumido el riesgo de crear aquí una nueva infraestructura cultural y hayan decidido abrir sus puertas a algunos de los exponentes más significativos de la creación artística actual de Portugal y España.

Con sus propuestas estos 14 artistas nos plantean interrogantes, nos raptan de la miseria de la cotidianeidad, y nos ofrecen emociones y tesoros.

Rosa Martínez

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Curadora: Rosa Martínez 
Teatro Romano de Sagunto. España. 21 Julio – 16 Agosto 1998

Artistas seleccionados: Ghada Amer, Teresa Cebrián, Victoria Civera, Ayse Erkmen, Irit Hemmo, Gülsün Karamustafa, Jenny Marketou, Carmen Navarrete, Shirin Neshat, Eulália Valldosera, María Zárraga

«El Mediterráneo tiene un sentido trágico solar, que no es el mismo que el de las brumas. Ciertos atardeceres -en el mar, al pie de las montañas-, cae la noche sobre la curva perfecta de una pequeña bahía y, desde las aguas silenciosas, sube entonces una plenitud angustiada. En esos lugares se puede comprender que si los griegos han tocado la desesperación ha sido siempre a través de la belleza y de lo que ésta tiene de opresivo. En esa dorada desdicha culmina la tragedia. Nuestra época, por el contrario, ha alimentado su desesperación en la fealdad y en las convulsiones. Y por esa razón, Europa seria innoble, si el dolor pudiera serlo alguna vez.»
ALBERT CAMUS, El exilio de Helena

En la terminología marinera, la expresión «mar de fondo» alude a los temporales que se producen en alta mar causando marejadas que llegan hasta las costas, aunque en éstas el cielo límpido no se corresponda con la agitación del mar. El mar de fondo arrastra temblores escondidos y transporta hacia el litoral los ecos de las batallas y los empujes de los torbellinos que se producen en sus zonas más profundas.
En la terminología artística, tener el mar como fondo significa situarse en una escena en la que las figuras destacan sobre superficies de azuladas ondulaciones. En los paisajes con mar se alude a una lejanía que provoca ensoñaciones, deseos de viaje, sentido de infinito, añoranzas de otros mundos posibles, recuerdos de desastres o utopías de bienestar.
Dotado de un gran poder de evocación, el mar es una de las imágenes más fascinantes y más usadas poéticamente. El mar ha sido metáfora de libertad, cuna de dioses, habitáculo de monstruos, contenedor de misterios, símbolo de las procelosas oscuridades del inconsciente… Es también basurero en el que se vierten incontroladamente desechos industriales; fuente de riquezas que se explotan indiscriminadamente; una inmensidad imprevisible en la que se producen accidentes, se pierden o se ganan batallas (comerciales, políticas, amorosas…) y se hunden tesoros.
Entre los diversos mares, el Mediterráneo goza de una densidad simbólica especial. Sus mitologías recogen maravillas y tragedias. Desde sus costas los filósofos griegos formularon algunas de las intuiciones más certeras sobre el origen y el sentido del mundo. En sus aguas confluyen tres continentes, conviven lenguas y religiones, se mezclan tradiciones y fanatis-
mos. A la vez, su clima, su habitabilidad y sus proporciones han definido una idiosincrasia amable ligada a las características de su geografía.

El Mediterráneo es uno de los motivos que reúne a las once artistas presentes en la exposición MAR DE FONDO. Este título alude a la psicogeografía en la que han nacido unas mujeres que, impulsadas por diversos vientos y por enormes inquietudes, han volado hacia otras latitudes, han conocido otros lugares y hoy vuelven a pensar su historia y su presente con una mirada cargada de sabiduría y con una voz modulada tanto por la experiencia como por la energía que da la necesidad de decir algo nuevo. Conscientes de su doble condición periférica -por ser mujeres y por ser mediterráneas-, estas artistas, con sus dudas, sus temblores y sus límpidas certezas exploran los nuevos devenires del mundo y, a través del arte, contribuyen a producir nuevas realidades.
No son sólo ellas las que sienten la frustración y el tedio producidos por un arte ensimismado, cerrado en sí mismo, exclusivo y excluyeme, fundamentalmente formalista y pretendidamente universal. Cada vez se va extendiendo más la conciencia política de que la cultura se produce en el espacio social y afecta a los aspectos más íntimos de la persona. Hoy tenemos la certidumbre de que lo personal es profundamente político pues incluso nuestra identidad sexual es producto de los modelos impuestos por las ideologías dominantes.
Gracias a la crítica de los dogmas de la modernidad, a las reflexiones poscoloniales y a las luchas de muchos grupos marginales -homosexuales, feministas, inmigrantes…- se ha generado un deseo imparable de borrar las jerarquías en las artes, de hacer porosas las paredes de los museos y conectar el arte con el espacio público, así como de admitir las voces periféricas como portadoras de discursos que minan las pretensiones absolutistas de la visión hegemónica occidental. Por eso las nuevas propuestas artísticas florecen en la deconstrucción y la reinterpretación de la historia, en el cuestionamiento de los poderes que establecen la división sexual entre lo público y lo privado, en el estudio de las relaciones que el cuerpo guarda con la arquitectura o en el análisis de la significación que los monumentos tienen en el contexto urbano para puntuar ese texto a descifrar que es la calle.
En la lucha por un espacio igualitario y en la defensa de las derivas como forma de pensar el mundo se están librando hoy muchas batallas para transformar los contextos de vida.
Para las mujeres, las intervenciones en el espacio público conllevan el riesgo que supone actuar en un campo en el que no pueden navegar con la seguridad que da el hábito y, sin embargo, se ven estimuladas por el desafío de dar un nuevo significado al lugar en el que intervienen y de conquistar nuevos modos de expresión. Además, asumen el reto de desafiar la Eey del Padre, que tradicionalmente las (nos) ha excluido del lenguaje y por tanto del poder que otorga la capacidad de intervenir sobre los modelos de representación simbólica.
Desde la conciencia de que «la política del espacio siempre es sexual», como dice Beatriz Colomina, las propuestas realizadas en los alrededores del Teatro Romano de Sagunto tienen un enorme valor. Eas artistas han asumido las dificultades de trabajar a la intemperie, sin la protección que da el espacio cerrado de una galería o de su «habitación propia». Han explorado nuevas posibilidades políticas y creativas al inscribir sus propuestas en un lugar que condensa no sólo una larga memoria histórica como teatro romano, sino una significación polémica por la intervención de restauración a la que ha sido sometido y una estética difícil en el contexto del conjunto de la ciudad.

La idea de Ayse Erkmen de crear peinados atrevidos sobre el cabello de diferentes modelos se convierte en una irónica crítica del concepto de monumento. Éste, además de ser aplicado a la mujer por el discurso machista cuando sus formas son esculturales, se refiere a la voluntad escenográfica del poder de sobresalir en el tejido urbano creando volúmenes des-
tacados que se convierten en signos para puntuar el espacio y dominar el significado de los lugares. Sus imágenes, impresas en forma de octavillas, han sido distribuidas por las peluquerías de Sagunto. Su instalación en espacios de uso cotidiano provoca reflexiones sobre el artificio y la construcción de la belleza, pero también sobre la capacidad de juego y de invención del propio cuerpo en relación al contexto urbano y a las proyecciones sexuales.

La performance de Irit Hemmo por las calles de Sagunto cargando una escultura que representa un ternero castrado, puede ser leída como reconstrucción crítica de las procesiones religiosas, como una parodia de la adoración del becerro de oro y como una valoración del poder de la calle como espacio en el que inscribir los símbolos culturales y las vivencias de la sexualidad. Esta performance, realizada anteriormente en Tel Aviv y en Estambul, adquiere nuevas connotaciones en un país en el que el toro es concebido como símbolo de la masculinidad y en el que las vaquillas se sueltan durante las fiestas populares.

Inspirada por la filosofía de las derivas situacionistas, Jenny Marketou toma también la calle como espacio en el que se construye la memoria y en el que el azar de los encuentros dibuja las líneas de la vida. A partir de la realización de entrevistas en las que recoge fragmentos de los recuerdos de los habitantes del Puerto de Sagunto, Jenny redibuja el plano de la ciudad puntuando en él zonas no definidas por el trazado de las calles sino por la memoria de los olores y las costumbres de sus gentes. Conecta así el pulso del presente y del pasado y dibuja una poética de los flujos, de los climas invisibles de la ciudad. El mapa es definido entonces por la intensidad de las vivencias y por las dinámicas de la memoria. Sus fronteras
son flexibles y actúan como límites temporales que podrán ser redefinidos al variar las percepciones o los recuerdos de los entrevistados. La instalación de un carrito de venta ambulante en el que se despliegan algunas de las materias asociadas a esos recuerdos se convierte en monumento efímero y nómada, que se contrapone a la grandilocuencia del propio teatro.

Para Victoria Civera, nacida en Puerto de Sagunto, instalar sus esculturas en el recinto del teatro es otra forma de reencontrarse con sus orígenes y de reflexionar sobre los límites de la representación. La instalación de un molde transparente de su propia cabeza sobre una plataforma recubierta de césped en una antigua cisterna relaciona el cuerpo con el
lugar y alude a las posibilidades de retorno y renacimiento. Su «Guardián rojo», situado en una amplia hornacina en los accesos a la escena, se convierte en metáfora de formas de vigilancia alejadas de la rigidez autoritaria de otros guardianes tradicionales. Los juncos que conforman su cuerpo dejan pasar el aire a su través y junto al terciopelo hablan de flexibilidad y delicadeza, mientras que los tres personajes de bronce de la base aluden a una firmeza no compacta ni cerrada en sí misma.

En la intervención floral de Ghada Amer sobre una de las terrazas del teatro, la recreación de las franjas abstractas de una composición que recuerda las primeras pinturas de Frank Stella, toma como referencia la rigidez de los paradigmas del arte occidental. Sin embargo, el uso de plantas, cuyo crecimiento es orgánico y por tanto no encuadrable en esquemas de geo metría lineal, explora las tensiones del sometimiento a un orden civilizador que marca ciertos cánones de belleza y muchas líneas de represión. El uso de cactus, con sus connotaciones fálicas, y de flores, entendidas también como metáfora sexual, habla de que son ambos sexos los que sufren las imposiciones de los modelos dominantes de pensamiento.

En una de las bóvedas laterales del teatro, Teresa Cebrián ha suspendido cuatro jaulas en las que quedan encerrados los cuatro elementos primordiales: el agua, la tierra, el fuego y el aire.
Mientras fragmentos de los tres primeros están dentro de las jaulas, el aire, el más etéreo, es el de la propia ciudad de Sagunto, que queda así incluida en la obra. Las conexiones con la filosofía presocrática se conjuntan con las alusiones a las torturas y a las prisiones medievales, y provocan reflexiones que alcanzan a múltiples esferas existenciales. Desde los desastres ecológicos a la pérdida de nuestra capacidad poética para relacionamos con lo primordial, la delicadeza de esas cuatro materias del universo recrea la nostalgia de una libertad no sometida a coerciones.

Las dependencias entre los sexos y las dificultades de la mujer por crearse un camino propio son abordadas por María Zárraga en sus inquietantes escenificaciones fotográficas. El uso de la plastilina en zapatos o como una segunda piel que se desgaja del propio cuerpo alude al dolor y a la necesidad de despegarse de los hábitos impuestos, así como a la fragilidad de los apoyos en que creemos reconocemos. En las proyecciones que presenta en Sagunto, la larga cabellera que cubre y esconde totalmente el cuerpo de una mujer, se transforma en olas de sensualidad y a la vez que se asocia con la desmesura de la histeria femenina, alude al deseo de descubrirse tras los símbolos impuestos.

Gúlsün Karamustafa ha explorado el Mediterráneo como un mar en el que conviven y se crean múltiples sexos y ha conectado la pasión por los signos de los travestís de ambas orillas con la decoración de los balcones como espacio que abre arquitectónicamente el interior hacia el exterior y conecta lo público y lo privado, lo visible y lo invisible. En el contexto del uso sexual de los signos, la figura del travestí es el paradigma del deseo de transformación de uno mismo aunque sea para devenir un icono, una esencia, la esencia de «lo femenino», la apoteosis del estereotipo. El travestí se convierte todo él en espectáculo como demuestran en sus videoclips Búlent Ersoy, uno de los cantantes transexuales más fascinantes de
Estambul, o Freddie Mercury Éste, en el video «I want to break free», aparece vestido de ama de casa, asumiendo el sometimiento a lo doméstico como una forma de amor. Búlent Ersoy en uno de sus últimos clips, aparece representando el rol de madre, llevando el deseo de ser «mujer» hasta el extremo de superar la fijación en la desmesura de los atributos sexuales.

Para analizar la división del poder asociada al género, Carmen Navarrete reflexiona sobre las formas de matar a una mujer tanto en la historia, como en la tragedia o en la actualidad.
Entendida como propiedad del hombre, la mujeres merecedora de castigo si desobedece los designios patriarcales y la idea de matarla se extiendedesde el plano físico al plano simbólico, pues no son sólo el cuchillo, el veneno o las armas los instrumentos que pueden producir la muerte, sino la exclusión del discurso, la limitación del poder y la sumisión a un orden sexual falocéntrico que impone un solo modelo de goce sexual. Los órdenes disciplinarios que anulan lo femenino forman parte del totalitarismo ideológico del patriarcado que quiere mujeres sumisas y calladas y que es el inductor de la histeria como forma de rebeldía mal canalizada.

La alienación y la sumisión de la mujer a los sistemas religiosos y culturales dominantes ha sido investigada por Shirin Neshat en las sociedades islámicas. Las mujeres se convierten en guardianas de una revolución que ordena que el cuerpo permanezca oculto debajo del chador y que las manos dejen de sujetarlo sólo para coger un fusil. El uso del velo está asociado en Irán a la cultura urbana, pues en las áreas rurales y en todos aquellos contextos en que las manos de la mujer son necesarias como instrumento de trabajo, las mujeres no cubren totalmente su cuerpo. En el video «Anchorage», Shirin muestra sólo el rostro, las manos y los pies de la mujer desnudos mientras que el resto de su cuerpo se pierde en la oscuridad. Los gestos de rezar, disparar y bailar la música sufí hablan de como la religión, el poder militar y la filosofía del sufismo se inscriben en el cuerpo de la mujer y dibujan sus movimientos.

Las formas en que la enfermedad, el sexo, el amor y las pérdidas modelan nuestra identidad psicosomática han sido largamente reconstruidas en las obras de Eulalia Valldosera.
Eulalia usa las nuevas tecnologías para crear instalaciones en las que la ordenación de diferentes objetos, focos de luz y proyecciones fotográficas o videográficas recrea ambientes fantasmaticos. En ellos, las emociones de la infancia o los dolores asociados a las vivencias de la enfermedad y las inestabilidades físicas y psíquicas llenan los espacios en los que la artista presenta su trabajo. En su proyecto para Sagunto, Eulalia Valldosera recrea las proyecciones realizadas para Münster en 1997. En ellas, la sombra de una mujer conseguía salvar la distancia entre dos espacios de luz. Aunque por motivos de salud de la artista el proyecto no ha sido realizado, las referencias de su obra a la necesidad de adentrarse en los arquetipos inconscientes la señalan como una de las más sensibles exploradoras de las oscuridades que nos pueblan.

Las alusiones a las desestabilizaciones ideológicas y existenciales que se traslucen en el trabajo de todas estas artistas, hablan de las derivas asociadas a transformaciones que se están produciendo en el campo social y que tienen sus reflejos prismáticos en la filosofía y en la ciencia. La exactitud matemática de la concepción euclidiana del mundo- que dibuja el movimiento uniendo puntos en el espacio-, o la clara correspondencia entre los pesos y las distancias que establece la teoría newtoniana de la gravedad, son puestas en cuestión hoy desde la relatividad de las denominadas «ciencias nómadas», entre las que se encuentran la meteorología o la hidráulica del control de los fluidos -especialmente la de los movimientos del mar-. Las fuerzas de la materia no dibujan movimientos lineales perfectamente previsibles en un espacio cartesiano sino que generan turbulencias, desplazamientos espirales y movimientos difícilmente encuadrables en esquemas geométricos.
De la misma forma, con movimientos no previsibles, todas estas mujeres se plantean sus devenires y buscan su lugar en el discurso del arte y en otros espacios sociales. Como aladas Nikés, van a la captura de un instante que, como las victorias griegas, les permita interpretar mejor el desconcierto en el que vivimos y crear órdenes móviles que dibujen nuevos campos existenciales. En este contexto, el mar de fondo es metáfora de las tormentas y de los nuevos desplazamientos conceptuales, vivenciales y estéticos que la incorporación de las mujeres a la escena artística y a otras esferas sociales está generando. En estas nuevas esferas, el arte no puede ocuparse solamente de la búsqueda de la belleza. Por ello, Helena deja de ser el objeto pasivo del rapto de París y la causa de las batallas entre griegos y Troyanos, para devenir el símbolo de una nueva belleza sin canon y sin paradigma, una belleza cambiante generada por la decisión y las búsquedas de la propia Helena.

Rosa Martínez.

La entrada Mar de Fondo, Teatro romano de Sagunto, Valencia, España, 1998 se publicó primero en Rosa Martínez - Independent Art Curator.