Co-curadores: Rosa Martínez – Xabier Arakistain
Barcelona 2001. Centre D’art Santa Mònica
Budapest 2002. Mücsarnok Kunsthalle
A Coruña 2002. Palacio Municipal de Exposiciones. Kiosko Alfonso.

Artistas seleccionados: Ana Laura Aláez, Janine Antoni, Vasco Araújo, Monica Bonvicini, Leigh Bowery, Cabello/Carceller, Hsia-Fei Chang, Patty Chang, Carles Congost, Divine David, Tracey Emin, Cristina García Rodero, Miguel Angel Gaüeca, Chris Korda, Oleg Kulik, Elahe Massumi, Priscilla Monge, Nikos Navridis, Rivane Neuenchwander, Ocaña, Henrik Olesen, Ebru Öseçen, Santiago Sierra, Salla Tykka

MÜCSARNOK KUNSTHALLE, Budapest, Hungría.
Nuevos artistas: Péter Csíkvári, Nagy Kriszta, Németh Hajnal, Joana Vasconcelos

PALACIO MUNICIPAL DE EXPOSICIONES. Kiosko Alfonso, A Coruña, España.
Nuevos artistas: Xoán Anleo, María Ruido

TRANS SEXUAL EXPRESS: A CLASSIC FOR THE THIRD MILLENNIUM trata de los cambios en las políticas de sexo, sexualidad y género, así como de las relaciones de poder en los intercambios amorosos. El título de la exposición juega con la idea de la movilidad, concibiendo la experiencia vital y la formación de la identidad como un tránsito continuo, como un constante devenir. El subtítulo alude irónicamente a la reinvención del canon desde nuevas posiciones estéticas e ideológicas.

En TRANS SEXUAL EXPRESS la subjetividad, la búsqueda de la igualdad y la solidaridad se articulan para elaborar una reflexión incisiva sobre los usos sociales que encasillan las identidades, para celebrar la apertura hacia la diversidad y el polimorfismo y para plasmar la diferencia que busca la igualdad. L@s artist@s invitad@s muestran cómo los problemas de sexo, sexualidad y género están ligados a ideologías que se sustentan en políticas de exclusión destinadas a mantener el dominio de unos sobre otros.

TSE se centra en el arte social elaborado por l@s nuev@s radicales sexuales, raciales y de clase que cuestionan tanto los modelos impuestos por la cultura de masas como los inquietantes avances de la biotecnología, a la vez que desarrollan una polimórfica capacidad para reinventar el propio cuerpo.

TSE se preocupa por la disolución de las fronteras que separan y jerarquizan las disciplinas artísticas y por la globalización como piedra angular de la doctrina neoliberal que pretende borrar las diferencias con su galopante uniformización. Por todo ello TSE es una exposición transgeneracional, trans-sexual y transnacional.

Desde un primer germen en Bilbao en 1999, la propia exposición «Trans Sexual Express» no ha parado de crecer, transformar su identidad y ampliar sus fronteras. La celebración de «Trans Sexual Express Barcelona 2001» en el Centro de Arte Santa Mònica, la presentación en la Kunsthalle Mücsarnok de Budapest a principios de 2002 y la muestra en el Kiosko Alfonso de A Coruña han acogido en cada ocasión nuevos artistas y obras, y han ofrecido a las audiencias locales una oportunidad única para repensar el sexo y el poder a través de algunas de las propuestas estéticas más innovadoras de la escena actual.

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La Bienal Mediterránea estaba organizada por asociaciones culturales y por las Áreas de Juventud de diversos ayuntamientos. Participaron las ciudades de Bolonia, Bari, Florencia, Milán, Nápoles, Parma, Prato, Regio Emilia, Turín, Venecia, Lisboa, Oporto, Barcelona, Madrid, Sevilla, Valencia, Lyon, Marsella, Montpellier, Toulouse, Dubrovnik, Lubliana, Zagreb, Atenas, Tesalónica, Chipre y Tipassa.

La Bienal tuvo sede fija en Barcelona los años impares (1985, 1987, 1989, 1991), y se celebraron ediciones nómadas los años pares en Tesalónica (1986), Bolonia (1988) y Marsella (1990). Rosa Martínez fue directora de la Bienal de Barcelona desde 1988 a 1991 y le dio un nuevo impulso abriéndola hacia la confrontación con los artistas y circuitos del norte de Europa. En la edición de1989 participaron más de 500 creadores de los ámbitos de la arquitectura, las artes plásticas, el cine y el vídeo, el diseño, la fotografía, el cómic, la literatura, la moda, la música, el teatro y la danza. En 1991 se canceló el proyecto en Barcelona porque el Ayuntamiento de la ciudad estaba centrado en la organización de los Juegos Olímpicos de 1992. Desapareció así definitivamente uno de los certámenes más singulares en su género, tanto por su apuesta por la multidisciplinariedad como por potenciar las redes culturales entre ciudades.

En la Bienal de Barcelona participaron arquitectos como David Chipperfield, escritores como Javier Cercas, fotógrafos como Erwin Olaff y artistas plásticos como Juan Urrios, Eulalia Valldosera, Richard Venlet, Cathy de Monchaux o Antoni Abad.

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«I WANT YOU TO FEEL THE WAY I DO» INTENSITAT
Curadora: Rosa Martínez.
Sala Montcada. Fundación La Caixa. Barcelona. 27 de abril al 23 de mayo, 1993

Vestida para la intensidad
Quiero que sientas lo mismo que yo: un alambre de púas rodea mi cabeza y mi piel araña mi carne desde dentro. ¿ Cómo puedes estar cómodo a menos de un palmo a mi izquierda ? No quiero oir mis pensamientos, ni sentir cómo me muevo. Y no es que quiera ser insensible, quiero desligarme bajo tu piel: escucharé lo que tú oigas, me alimentaré de tus pensamientos, me vestiré con tu ropa.
Me he apoderado de tu actitud y has perdido tu comodidad. Haciéndolas tuyas me has librado de mis opiniones, de mis costumbres, de mis impulsos. Debería sentirme agradecida y, sin embargo… empiezas a irritarme: no quiero vivir conmigo misma dentro de tu cuerpo, y preferiría intentar una existencia nueva en alguien distinto.

Cuando vi por primera vez El vestido «I want you to feel the way I do» (Quiero que sientas lo mismo que yo), una flecha me atravesó visceral e intelectualmente. Hay en él -como en muchas otras obras de Sterbak- una intensa percepción del presente, una contundente plasmación de la forma en que vivimos las pasiones que agitan, devoran, constituyen y atormentan nuestra «materia». La gradual incandescencia que lo recorre aparece como metáfora de las intensidades del amor, de la dialéctica deseo-rechazo, de su encenderse y apagarse. La estructura metálica que lo conforma alude a las prisiones invisibles en que nos encierran las emociones. Los brazos abiertos parecen tender hacia el otro, aunque en ellos se perciben también la ambigüedad y la fatalidad des tructiva del abrazo.

El texto que acompaña al vestido eléctrico habla de transferencias y de tránsitos de identidad. Amar es salir de sí para ir hacia el otro, pero en ese viaje del deseo se esconde una «monstruosa contradicción» (Hegel), pues en el amor sacrifico al otro para poder ser yo mismo, a la vez que el otro me sacrifica, me convierte en objeto, me posee e intenta imponerme su ley.

Jana Sterbak sabe que hay varios rostros del Otro: el Otro especular, aquel en quien me reflejo, a quien amo y odio, en quien me desdoblo y con quien me intercambio, en
quien deseo perderme para encontrarme, aquel que me transita y con quien puedo deslizarme por los tortuosos caminos de la pasión, cuyos placeres preludian también la insatisfacción, el dolor y la muerte. Y el Otro que juzga, que sanciona mis juegos de espejos, aquel a quien Lacan llama el Gran Otro, pues es el guardián de la ley y de lo
simbólico.

Fatalmente siempre es nuestro cuerpo el campo donde batallan el deseo y la ley, el lugar donde oscilamos entre la tendencia a dejarnos llevar por las pulsiones y las pasiones que nos hacen ir hacia lo otro, y la tendencia a ser sujetos, a sujetarnos y adaptamos a las normas que configuran el yo.

En las obras de Jana Sterbak se oyen los ecos de esas batallas, pero los contendientes no son el alma y el cuerpo; la antítesis entre subjetividad psíquica y objetividad fisiológica ha dejado de ser operativa y una nueva síntesis psicosomática ocupa su lugar y se desplaza al vestido como metáfora de «la interioridad que fluye hacia el exterior» (Gurméndez). En Jana Sterbak, el vestido deviene desnudamiento que hace visibles las fuerzas ocultas del yo, todo lo que es espiritual, emotivo y pasional.

KIossowski, en «Las Leyes de la hospitalidad», habla de la transitividad del cuerpo, de cómo la esencia del erotismo es ser hospitalario, ser capaz de vestir o habitar otros cuerpos como si fueran el propio. Jana Sterbak acentúa en su trabajo esa dimensión del vestido como cuerpo; el tránsito entre el cuerpo y aquello que lo cubre es una transubstanciación. Por ello, una obra como «Hairshirt» (Camiseta de pelo) se convierte en significante angustioso de las finalidades del deseo, y Jacket (Chaqueta) condensa su antítesis: la imposibilidad de salir de sí.

Los vestidos de Jana Sterbak son «cuerpos sin órganos» (Deleuze-Guattari), son «campos de inmanencia del deseo», están vivos, pero sólo las intensidades circulan por ellos; sólo las convulsiones del amor, del miedo a la muerte, de la frustración; sólo las llamaradas de la belleza, de la inspiración, del dolor y la desesperación…

«Vanitas. Vestido de carne para una albina anoréxica» alude a la intensidad de las temporalidades del ser humano, cuyo horizonte primero y final es la muerte. La explicitación de este carácter efímero, relativo al agotamiento y al desgaste, se conjuga con una mordaz crítica a las formas que el cuerpo se ve obligado a adoptar en una cultura cuya ansiedad es convertirlo en el paradigma de la eterna juventud.

Vanitas destruye el tabú que nos prohibe vernos y que nos vean como lo que realmente somos: carne animal. Y al revelar la inercia de esa carne, que se pudrirá y se descompondrá, conjunta lo repugnante y lo siniestro de la pavorosa sentencia de muerte que pesa sobre nosotros. Esa puesta en escena es sin duda liberadora, pero es también obscena- en tanto que transgrede la prohibición de visualizar ciertos contenidos-, irracional e impúdica -en tanto que desmiente el proceso de civilización y nos retrotrae a nuestra animalidad constitutiva.

Sterbak establece inquietantes conexiones entre lo representable y lo irrepresentable, a la vez que cuestiona la evidencia de algunas nociones relativas al cuerpo, con el deseo de replantear la forma en que habitamos nuestras identidades y con la voluntad de ampliar las posibilidades de experiencia que permitan al sujeto construirse a través de los otros, sabiendo que el encuentro es más importante que la identidad de la persona reencontrada.

En sus investigaciones estéticas, Jana Sterbak elude la idea de estilo, se proyecta en la heterogeneidad de múltiples materiales y se desplaza por diversos procesos y fórmulas creativas, dando siempre preeminencia a la idea sobre la forma e intentando descubrir y potenciar las correspondencias secretas que existen entre las materias y sus connotaciones espirituales. Así, crea nuevos lenguajes que se inscriben en los inicios de una nueva historia de la subjetividad en la que la mujer proclama el poder revolucionario de sus visiones y de sus energías, contribuye a renovar el sentido de su condición -como persona y como artista- y puede situarse en el contexto más amplio de reflexión sobre la condición humana.

En la pieza Corona Laurea (Noli me tangere) se asocian la inspiración y la locura como formas extremas de la energía de la mente, y se ironiza sobre la inquietante ambivalencia de los poderes del creador. Pero es en la performance titulada Artistas combustible donde se plasma la más fascinante interpretación del arrebato que sacude y hace arder al artista. En esta actuación, Jana Sterbak, de pie, desnuda en una habitación oscura, con un pequeño cuenco de pólvora sobre su cabeza, hace surgir de sí una intensa lengua de fuego que dura sólo algunos segundos y alude al carácter transitorio pero convulsivo de la inspiración que ilumina las visiones poéticas.

En tanto que posibilita la emergencia de los fluidos más oscuros que dan vida y sentido a la materia humana, su vigoroso, inquietante y subversivo arte tiene algo de «demoníaco», algo maldito, que se complace en destruir para crear, algo diabólico que hace aflorar las intensidades más recónditas y roza las fronteras de la locura, algo incomunicable e irrepresentable, a pesar de que comunica y se representa, algo que se sitúa más allá del Bien y del Mal.

Rosa Martínez.

La entrada Jana Sterbak, Sala Montcada, Fundación La Caixa, Barcelona, España, 1992 se publicó primero en Rosa Martínez - Independent Art Curator.