La exposición «En el nombre del padre» explora el legado artístico y vital de Pablo Picasso desde diferentes perspectivas, pero siempre como referente ineludible, y se inscribe en la línea de investigación de la relación de artistas contemporáneos actuales con la obra y la figura de Pablo Picasso.

Se presentarán obras de varios artistas que evidencian su conexión con Picasso. Esta conjunción tiene como objetivo analizar y celebrar la pervivencia de Picasso en el arte de hoy en día. Con una selección de una treintena de obras, participarán en esta exposición: Cristina Lucas, Daniel García-Andújar, Eulalia Valldosera, Miquel Barceló, Pilar Albarracín, Rogelio López Cuenca y Elo Vega, Santiago Sierra, Tania Berta Judith y la familia del cantaor Enrique Morente.

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MetQUITO
Centro Cultural Metropolitano
Ecuador

Curadora: Rosa Martínez | Curadora asistente: Alba Baeza

En La intimidad es política, específicamente concebida para el MetQUITO por Rosa Martínez, se exploran las formas en que se construyen las subjetividades contemporáneas y se analiza cómo se estructuran las políticas de dominación en torno al sexo, el género, la clase social o la etnicidad a través de las obras de 17 artistas y colectivos de Bolivia, Chile, Costa Rica, Ecuador, Egipto, España, Estados Unidos, Guatemala, México, Sudáfrica y la antigua Yugoslavia.

LA INTIMIDAD ES POLÍTICA
Sexo, Género, Lenguaje, Poder
Introducción curatorial de Rosa Martínez

A través de algunas de las propuestas estéticas y conceptuales más relevantes del panorama artístico actual, la exposición LA INTIMIDAD ES POLÍTICA reflexiona sobre el género como construcción social que determina los comportamientos de los sexos, los usos discriminatorios del lenguaje y las estrategias de poder que, al mantener el binomio dominación/sumisión, sustentan la violencia física, cultural e ideológica sobre los cuerpos tanto en los espacios públicos como en los privados.

Para ello, parte de dos enunciaciones históricas y diversos cuestionamientos contemporáneos. La primera enunciación, “No se nace mujer, se llega a serlo”, fue formulada por la filósofa francesa Simone de Beauvoir en su ensayo “El segundo sexo” (1949). Beauvoir afirmaba que desde que nacen, las mujeres reciben un mandato de sumisión que las ha obligado a ocupar históricamente un lugar dependiente y secundario respecto a los hombres.

La segunda “¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?” corresponde al título del artículo que la historiadora y profesora estadounidense Linda Nochlin publicó en 1971 en la revista Artnews. En él, Nochlin disecciona cómo la prohibición de asistir a las academias de dibujo y la asignación del trabajo doméstico y reproductivo excluyeron a las mujeres de la creación visual.

En el tercer cuestionamiento se recogen posicionamientos decoloniales, indigenistas, transfeministas y queer que van más allá del feminismo clásico como ideología burguesa, y que cuestionan la hegemonía heteropatriarcal, blanca y eurocéntrica. El lema “Cuando una mujer avanza, ningún hombre retrocede”, propuesto desde el Congreso Nacional Indígena en Chiapas, México, abre nuevas perspectivas en defensa de la igualdad.

Sabemos que las sociedades patriarcales han establecido límites entre lo público y lo privado, entre lo social y lo doméstico, entre lo personal y lo político. Estos límites –visibles e invisibles– han perpetuado la apropiación masculina del saber y del poder, y se han traducido en la feminización de la pobreza o en la violencia sexual que mayoritariamente se ejerce contra las mujeres. Hoy, el feminismo interseccional cuestiona esas estructuras de dominio y de exclusión, analiza cómo la masculinidad se afirma a través de la violencia y cómo el cuerpo de la mujer –alquilado, maltratado, sometido– es la última frontera del capitalismo.

La exposición que ahora se presenta pone en cuestión cómo se construyen las subjetividades contemporáneas y cómo se articula la distribución del poder en relación al sexo, el género, la clase social y la etnicidad, entre otras categorías. A la vez que defiende la igualdad política, celebra la diversidad y las diferencias, e invita a reflexionar sobre formas de vivir juntos que respeten el planeta como bien común y la felicidad como proyecto.

El título de la exposición, LA INTIMIDAD ES POLÍTICA, actualiza el lema reivindicativo empleado por los feminismos norteamericanos de los años 70, “lo personal es político”, que sigue siendo hoy plenamente válido. Las estructuras ideológicas actúan en el ámbito de la intimidad y definen los modelos para vivir la sexualidad, las identidades de género, los usos del lenguaje y las formas de ejercer el poder.

Lxs artistas y obras presentadas en esta exposición cuestionan las estructuras de explotación basadas en la perpetuación de la desigualdad y evidencian cómo el arte puede ser una forma de reivindicación, de sanación y de transformación individual y colectiva.

© Texto: Rosa Martínez © Fotos: Artistas

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A contemporary art exhibition at various heritage sites sheds new light on megalithic sites like Ħaġar Qim, the fortified cities of Mdina and the Citadel, and other historical and popular venues on the Islands. Just as celestial constellations were shaped to provide orientation, the artistic interventions in Constellation Malta will propose points, routes and new itineraries to navigate the local crossover of social, political, economic and artistic contexts. Moving from the local to the cosmic, the project will address the complexities of our contemporary world.

Valletta 2018 – European Capital of Culture

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Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas trata de mostrar la fuerza con que siguen siendo hoy sustento de la creación artística, y de potenciar lo femenino como acercamiento al misterio de la existencia y como vehículo de conexión con lo sagrado a partir de la figura de Santa Teresa. Abre, además, múltiples vías de diálogo y convivencia entre arte y realidad social, entre obras históricas y actuales, y entre místicas y sistemas religiosos supuestamente irreconciliables.

Ver vídeo completo: enlace RTVE

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Esta obra de Regina, ganadora en 2005 del León de Oro a la mejor artista joven en la Bienal de Venecia, fue hecha originalmente como una valla en la Calzada de Roosevelt, en Guatemala, donde una banda de violadores cometía crímenes. El nombre de la instalación se basa en un mandamiento bíblico y cuestiona la violencia de género que arrasa en el continente.

Debajo de esta obra, en uno de los salones del segundo piso del MET, se proyecta un video de la artista española Cristina Lucas, titulado Habla. En la proyección, Cristina destruye literal y simbólicamente a martillazos una reproducción en yeso del gigante Moisés, de Miguel Ángel.Para este ejercicio, la artista toma como referente literal el texto de Friedrich Nietzsche, El ocaso de los ídolos, o cómo se filosofa a martillazos. Así como en la propuesta de Regina José Galindo, la de Cristina Lucas usa la simbología religiosa para interpelar la opresión de los cuerpos femeninos.

La española Rosa Martínez fue la curadora de esta muestra que reúne la obra de 17 artistas y colectivos provenientes de diversos países y hermanados bajo el lema de la intimidad es política. Reconocida como una de las más fundamentales curadoras en el medio artístico mundial, Martínez está segura de que el arte trastoca las visiones caducas de la vida.

Haber sido la primera mujer directora de la Exposición Internacional de Venecia, en 2005, luego de 110 años de existencia de este encuentro, dice mucho de la situación de las mujeres artistas, gestoras culturales y directoras en el campo del arte. ¿Siente que ha cambiado esta situación? ¿Cuál es su valoración sobre esta realidad?

Es un honor pasar a la historia como primera mujer directora de la Bienal de Venecia. De hecho, invité a las Guerrilla Girls a mi exposición en el Arsenale y, con mucha ironía, plasmaron desalentadoras estadísticas sobre Venecia en sus posters. En 1895, año de fundación de la Bienal, participó un 2% de mujeres artistas, y un siglo más tarde, en 1995, el porcentaje fue del 9%. El poster que lo constata se exhibe ahora en el MET de Quito, junto con otros como el que se realizó específicamente para nuestra exposición en la que evidencian que «las mujeres artistas de Ecuador están en la lona».

De su trayectoria como curadora, ¿cómo siente que el arte contemporáneo ha ido calando en los públicos?; ¿cuál es su noción de la contemporaneidad?

Contemporáneo es todo lo que se vive desde el presente. El peso del pasado y los sueños y miedos sobre el futuro son contemporáneos.

Y usar lenguajes actuales para reinterpretar críticamente el pasado, analizar el presente o imaginar el futuro es una forma excelente de ser contemporáneo.

¿Cómo se concibió la propuesta conceptual de La intimidad es política y cómo dialoga ese planteamiento con la ciudad?

Pilar Estrada, directora del MET, conocía bien mi trayectoria profesional y me propuso articular una exposición que conjugara dos de las líneas de acción del Municipio de Quito: las políticas a favor de la igualdad y el deseo de acercar el arte contemporáneo a los diversos públicos de la ciudad. En esa intersección de objetivos institucionales he trabajado a menudo, y cuando vi la belleza de los espacios del MET acepté su propuesta, a pesar de las limitaciones presupuestarias y de tiempo. Planteé la posibilidad de intervenir en los espacios públicos de la ciudad y la obra de Regina José Galindo, ‘No violarás’, es la prueba de que todos nuestros esfuerzos han valido la pena.

¿Cómo se dio el proceso de selección de los diecisiete artistas y colectivos?

Hubo un período inicial en el que mantuvimos diálogos sobre la creación contemporánea en Latinoamérica y desde el MET se me facilitaron amplias referencias y dossiers sobre artistas de Ecuador, cuya escena, en ese momento, yo desconocía. Simultáneamente se definía el marco conceptual y muy pronto también acordamos el título de la muestra. La selección se fue configurando de una forma orgánica y con algunos sobresaltos. Tuvimos que elegir entre lo soñado y lo posible, entre lo deseado y lo factible. Por falta de presupuesto prescindimos de obras fundamentales como ‘A Noiva’, de Joana Vasconcelos, que hubiera sido un auténtico hito colgando en el patio principal del MET. De hecho, en el centro de la cúpula, aún está el cable que la hubiera sostenido… Por la misma razón no incluimos grandes nombres históricos como Louise Bourgeois o Ana Mendieta, que nos hubieran permitido establecer una genealogía de la creación hecha por mujeres en el siglo XX, pero tendremos documentación sobre sus obras en el catálogo de la muestra.

El acento se fue decantando hacia el arte del presente, con la voluntad de que las obras que se mostrarían no se hubieran visto antes en Quito, y que tocarían aspectos fundamentales de los discursos sobre sexo, género, lenguaje y poder.

En esta muestra ha conjugado la obra de artistas de diversos lugares, que manejan distintas técnicas, junto con el trabajo de activistas feministas, como los colectivos Mujeres Creando o Guerrilla Girls, ¿cuán importante es que el arte dialogue con el activismo?

Para mí, el arte es una forma de acción, de transformación de la visión del mundo, más allá de la técnica o el soporte en el que tome cuerpo. Comparto con Joseph Beuys el concepto de «escultura social», es decir, la idea de que una palabra o una obra que cambie la conciencia de los espectadores ya es escultura, ya es arte. El arte no es solo el objeto, el arte es la transformación que la interpretación o la vivencia de ese objeto produce en nosotros. Además de las Guerrilla Girls y Mujeres Creando, hay otro gran colectivo en la muestra, las Mujeres y Hombres de Comunidades Indígenas Zapatistas de Chiapas, México. Sus principios de buen gobierno —«servir, no servirse», «representar, no suplantar»— deberían de inspirar a muchos de nuestros políticos y líderes religiosos, y su hermoso arte, sencillo y popular, contribuye sin duda a disolver las fronteras de exclusión que intenta imponer el arte elitista.

A un día de que la Conferencia Episcopal emitiera una carta manifestando su malestar por la muestra, la Secretaría de Cultura de Quito, a través del Instituto Metropolitano de Patrimonio, emitió un informe en el que decía que el mural hecho por el colectivo boliviano Mujeres Creando debía ser removido porque no contaba con los permisos necesarios, ¿qué opinión le merece esta decisión?, ¿la considera una forma de censura?

Yo estaba ocupada ultimando la instalación de las obras cuando se inició el revuelo, y he entendido posteriormente que fue una denuncia de la Fundación Iglesia de la Compañía de Jesús al Instituto de Patrimonio la que encendió las alarmas. Hemos mantenido un diálogo continuo con las artistas, con la dirección del MET y con la Secretaría de Cultura para asegurar que cualquier afectación patrimonial que pueda existir no signifique la eliminación de la obra y estamos cerca de una solución consensuada. Como curadora, para mí, lo ideal sería seguir los protocolos internacionales y poner advertencias de que la obra podría herir la sensibilidad de los espectadores, como ya se hizo, y resolver el tema patrimonial al finalizar la muestra. Pero comprendo que cada ciudad tiene sus propias reglas respecto a la protección de sus bienes.

Luego de que las autoridades decidieran remover el mural, ¿cómo procesó esta situación con Mujeres Creando?, ¿anticipó que esto sucedería, tomando en cuenta el antecedente de censura previa del mismo mural en Bolivia?

Mujeres Creando es un grupo de activistas que lleva 25 años luchando por la justicia social, por la igualdad de derechos, por la posibilidad de ser felices más allá de las imposiciones que la religión, entre otras formas de control social, ha impuesto sobre los cuerpos. Conocía su trabajo desde que expusieron en el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid en 2000 y no quise perder la oportunidad de colaborar con ellas. Su práctica artística y política está cerca del concepto de la muestra. La idea de actualizar su ‘Milagroso altar blasfemo’ fue motivada porque es una de sus obras más recientes y la que mejor sintetiza su visión artística e ideológica.

Este altar es de hecho un work in progress y en él crean una magnífica reinterpretación del peso del falocentrismo sobre los propios hombres, a la vez que evidencian cómo están sujetos a las instituciones de poder. Me conmueve su secuencia de vírgenes y especialmente su virgen Dolorosa, que, en esta ocasión, no llora por el hijo, sino por las mujeres e hijas muertas por feminicidio. En ningún caso pensé que la reacción iba a ser tan desbordada.

¿Cómo afecta esta situación a la muestra, pues ahora el foco de atención pública es el mural y no el resto de las valiosas obras que se exhiben?

Mi discurso curatorial se asienta en la voluntad de dar espacio a voces diferentes, a propuestas que muestren la riqueza y la complejidad de los discursos contemporáneos. La selección de La intimidad es política muestra esa diversidad con diferentes intensidades, desde los fantásticos retratos y autorretratos de Zanele Muholi a las instalaciones anticoloniales de Nora Pérez; desde el video cuestionador de la violencia de Marina Abramovic al de Cristina Lucas «filosofando a martillazos» sobre el Moisés de Miguel Ángel, o desde la monumental secuencia documental de Santiago Sierra sobre las viudas en la ciudad india de Vindravan hasta la preciosa reflexión de Sandra Monterroso sobre los procesos de teñir y desteñir, de aprender y desaprender.

Hay obras muy duras, como el documental de Núria Güell, La Feria de las Flores, que analiza el vergonzante turismo sexual en Colombia a través de niñas y adolescentes que guían visitas en el Museo de Antioquía comentando las obras de Botero desde su propia experiencia de explotación. Hay otras más irónicas, como la de Katia Sepúlveda, escenificando un encuentro sexual en la puerta del principal prostíbulo de la ciudad alemana de Colonia, que registra el mayor número de clientes precisamente el 14 de febrero, día de los enamorados. En este contexto, los debates sobre el ‘Milagroso altar blasfemo’ han abierto una puerta para acceder al resto de la muestra.

¿Cuál es su valoración de los artistas ecuatorianos que curó?

Estoy entusiasmada con los tres que finalmente seleccioné: Saskia Calderón, Santiago Reyes y Juana Córdova. Sus propuestas muestran que son autores de vocabularios internacionales a partir de su realidad local.

Antes de empezar la curaduría de La intimidad es política, ¿Qué conocía acerca del arte ecuatoriano y qué le llamaba más la atención?

Sabía de la Bienal de Cuenca y me llegaban también los ecos de algunos de los artistas que participaban en ella, pero no había tenido la oportunidad de adentrarme en la escena ecuatoriana, en la que, tanto los trabajos artísticos como las reflexiones curatoriales, están muy maduras.

Ahora lo que deseo es expandir este conocimiento a otros circuitos y proyectos internacionales.

Texto completo en cartóNPiedra

Entrevista realizada por FAUSTO RIVERA YÁNEZ (Latacunga, 1989). Periodista, crítico cultural y economista. Fue editor de la revista de cultura cartóNPiedra y de la revista de economía másQmenos. Ha colaborado en diferentes revistas nacionales y extranjeras. Actualmente es editor de la sección cultural de Diario El Telégrafo y forma parte del consejo editorial de la revista Letras del Ecuador, de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Es integrante de la segunda generación de la Red Latinoamericana de Jóvenes Periodistas.

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Curator: Rosa Martínez.
October 5 to November 9. 1997. Istanbul. Turkey.

Venues

The 5th International Istanbul Biennial was staged at one main centre and a number of satellite venues. Located inside the Topkapi Palace gardens, the Imperial Mint -which perfectly embodied the idea of a city within a city- was the main venue. Other spaces, such as the Yerebatan Cistern, the Hagia Eirene Church or the Women´s Library also hosted art projects. Together with exceptional venues like the Maidens´ Tower or the Pera Palas Hotel, they catalyzed the artistic proposals and, by using the city’s main gates -the International Ataturk Airport, the Sirckeci and Haydarpasa train Stations, the 5th Biennial became both an exhibition and a walk.

Selected Artists: Ahtila. Eija-Liisa. Alaez, Ana Laura. Almeida, Helena. Altindere, Halil. Antoni, Janine. Ataman, Kutlug. Avsar, Vahap. Aziz, Sükran. Berksoy, Semiha. Berlin, Meta Isaeus. Bodnar, Eva Eszter. Bony, Oscar. Bourgeois, Louise. Bournigault, Rebecca. Buetti, Daniel. Caeckenbergh, Patrick van. Cattelan, Maurizio. Creten, Johan. Cross, Dorothy. Davis, Yael. Diller & Scofidio. Durham, Jimmie. Eliasson, Olafur. Emin, Tracey. Erdem, Türkan. Feyzdjou, Chohreh. François, Michel. Gill, Symrin. Golec, Leszek and Tatiana Czekalska. González Torres, Félix. Grigely, Joseph. Gutiérrez, Yolanda. Guzmán, Federico. Hauswolff, Michel von. Hemmo, Irit. Herrán, Juan Fernando. Hoeck, Richard. Höller, Carsten. IRWIN. Ibrahim, Bedi. Janssens, Ann Veronica. Kim, Soo-Ja. Kosmaoglou, Sofia. Kulik, Oleg. KÜLTÜR. Lakner, Antal. Langa, Moshekwa. Leonilson. Lindal, Anna. Lislegaard, Ann. Maestro, Lani. Massumi, Elahe. Mateus, Cristina. McCaslin, Matthew. Mendieta, Ana. Miralda, Antoni. Moral, Sükran. Mori, Mariko. Navridis, Nikos. Neshat, Shirin. Neuenschwander, Rivane. Obregón, Roberto. Orlan. Özseçen, Ebru. Pérez Bravo, Marta María. Piña, Manuel. May Post, Liza. Qiang, Cai Guo. Rakauskaite, Egle. Ribeiro, Flávia. Rist, Pipilotti. Romanos, Chryssa. Rosenfeld, Lotty. Semmes, Beverly. Sense:less. Sterbak, Jana. Sussman, Eve. Sangar, Bülent. Taylor-Wood, Sam. Tian-Miao, Lin. Valldosera, Eulàlia. Vickerson, Laura. Wallinger, Mark. Weber, Martin. Wirkkala, Maaria.

CONCEPTUAL FRAMEWORK:
‘On Life, Beauty, Translations and Other Difficulties’

Under the title «On Life, Beauty, Translations and Other Difficulties» the 5th Istanbul Biennial synthetizes the desire to approach and explore some important points of discussion in contemporary esthetic thought and creation: the borderlines that separate art and life; the search for new meanings of beauty, and the awareness that we need languages to communicate even if translations produce displacements of meaning.

Besides its appearance as a totally autonomous entity, and the awareness that, as with any other language, it has its own laws, art also acts as a medium to relate human beings to different areas of reality, and may be considered as a translation, a vehicle for reinterpreting and creating new ways of perceiving and transforming the world. The pleasure of beauty, the strength and the intensity of an aesthetic experience in which emotions function as a form of knowledge is needed in those processes of comunication in which the ‘other’, as Duchamp said, is required to complete the meaning of the artwork.

Life:
An artwork may be seen as a terminal, a point of arrival and departure
between life and language, a space where one can play with signs generated by other fields of knowledge and experience (science, technology, mass media, politics, physicality, sexual identity…), a place where it is possible to value and to transform relations with the ‘others’ by articulating, to different degrees of intensity, the understanding of nature and the multiplicity of cultural differences, so we can move from the ‘pasive aesthetics of mirrors’ to a changing, multi-faceted and active ‘aesthetics of prisms’, where the gaze is multidirectional and inclusive.

Beauty:
Without neglecting the need for content, ideology or pathos, art is
striving to recover the vertigo and intensity associated with the idea of beauty. Beauty is not timeless and universal, beauty is a subjective experience linked to the rhetoric of appearance, to the linguistic qualities of the signifier and the pleasure that they produce in the beholder. Aesthetic values depend on historical and cultural variations of taste and today, from a holistic perspective, we can move from beauty to content and integrate mind and body, thought and emotion, rhetoric and philosophy, pleasure and knowledge to achieve a new conception of life.

Translation:
Translation is implied in any form of creation. Creation is a displacement, a movement from one field (life, culture, experience) to another (visual or poetic languages…). Art today embodies a nomadic experience; it is becoming a form of energy related to displacement.
The desire to explore the differential spaces, the places of the ‘others’ and the fluidity and difficulties of translation between different contexts are being reviewed as a means of reinterpreting our position in the contemporary world.

Difficulties:
To travel between those different spheres (cultural, sexual, linguistic…) is a journey of adventure with various risks and difficulties. The process of exploring and overcoming these difficulties is intrinsic in issues related to translation, life and beauty.

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Curator: Rosa Martínez.
Limerick. Ireland. 10th March- 4th June 2000

VENUES FOR EV+A 2000 – FRIENDS AND NEIGHBOURS

*Limerick City Gallery of Art, Pery Sq. Was founded in 1948 as an addition to the Carnegie Free Library and Museum of 1906, a Neo-Hiberno-Romanesque style building adjacent to the Peoples Park and on the 19th century Georgian styled Pery Square in Limerick, Ireland’s third largest city.

*Limerick City Hall, Merchant’s Quay. A large purpose designed naturally lit exhibition area in the new City Hall on the Shannon river.

* Victorian House, Pery St. On a row of two story over basement structures (with attic), facing onto Pery Square.

* Slattery’s Pub, Edward St. A classic neighbourhood pub fitted in the style of the 1960’s.

* City Centre Car Park A site once occupied by an abbatoir famous for the production of Limerick Bacon.

* Church of the Immaculate Conception, Franciscan Friary. A large neo-classical structure sited near the river and major crossroads of centre city streets.

* St. Michaels Church, Pery Square

* Dr. Hennessy’s Dental Surgery. An intimate receiption area on the first floor of a building in Limerick’s Newtown Pery Georgian Crescent.

*The Furze Bush. A ground floor bistro.

*Rugby Shop

* The streets. An area of old lanes off Pery Square with the contrast of ruins and tidy homes.

Selected Artists: Open EVA 2000 (Young Irish artists): COLIN ANDREWS, BERNARDETTE COTTER, BETH DERBYSHIRE, MARIA DOYLE, KATIE HOLTEN, ALAN KEANE, BERNIE LAHERTY, CHRISTINE MACKEY, CAROLINE McCARTHY, EDWINA McDONAGH, DEIRDRE MORGAN, DARREN MURRAY, VERONICA NICHOLSON, FIDELMA O’NEILL, DEIRDRE A. POWER, RUTH ROGERS, JIM SAVAGE, ANN SEAGRAVE, BERNARD SMYTH, SEAN TAYLOR

Invited ev+a 2000 (International artists): GHADA AMER (Egypt-USA), JANINE ANTONI (Bahamas-USA), XU BING (China-USA), ALEXANDRE DA CUNHA (Brazil), FEDERICO GUZMÁN (Spain), MONA HATOUM (Palestine-Great Britain), CARL M VON HAUSSWOLFF (Sweden), ERNESTO LEAL (CUBA), AYDAN MURTEAZOGLU (Turkey), NIKOS NAVRIDIS (Greece), RIVANE NEUENSCHWANDER (Brazil), EBRU ÖZSEÇEN (Turkey-Netherlands), TADEJ POGACAR (Slovenia), PIPILOTTI RIST (Switzerland), BÜLENT SANGAR (Turkey), SANTIAGO SIERRA (Mexico-Spain), CHARLENE TETERS (Spokane-USA), SERGIO VEGA (Argentina), GREGOR ZIVIÇ (Austria)

CONCEPTUAL FRAMEWORK:
FRIENDS AND NEIGHBOURS explores the multiple possibilities of conviviality between artists of different generations, various countries and diverse aesthetic positions. Today as the hierarchies between the arts fade away, the notions of center and periphery start to be put into question; we can celebrate the resulting dispersion of artistic energies: there is not a single hegemonic trend that imposes its particular truth over the others; multiple narratives are emerging and we are learning to respect the place of others while we try to create common areas of encounter. The best contemporary art seeks to construct dialogical relations with the viewers; artists are not proposing eternal truths but rather ephemeral events, personal views, or process centred experiences. This can be considered a weak response to the pervasive globalisation of transnational capitalism that imposes a single model of thought and consumerism. These paradoxes provoke in us both fascination and fear. In this context, to be friends or collaborative neighbours can help us face many of those contradictions and awaken in us our capacity for critical thought.

La entrada EV+A 2000 Biennial, Limerick, Ireland, 2000 (Inglés) se publicó primero en Rosa Martínez - Independent Art Curator.

Co-curators: Young Chul Lee, Rosa Martínez, Hou Hanru.
October 2 – November 27, 2000. Pusan, Korea

Selected Artists: Adel Abdessemed (Algeria), Kyu-chul Ahn (Korea), Asaoka Akane (Japan), Ana Laura Aláez (Spain), Helena Almeida (Portugal), Francis Alys (Mexico), Ghada Amer (Egypt), Katerina Apostolidou (Greece), Planet Art (Netherlands), Sylvie Blocher (France), Christophe Charles (France), Shaoxiong Chen (China), Fei Cao (China), Alexandre Da Cunha (Brazil), Michael Elmgreen & Ingar Dragset (Denmark, Norway), Michel François (Belgium), Hiroshi Fuji (Japan), Wineke Gartz (Netherlands), Kendell Geers (South Africa), Federico Guzmán (Spain), Jin Ham (Korea), Carl M von Hausswolff (Sweden), Wee-young Heo (Korea), Solrun Hoaas (Australia), Myung-seop Hong (Korea), Soon-myung Hong (Korea), Ken Ikeda (Japan), Jae-whan Joo & Young-kook Park (Korea), Simone Aaberg Kaern (Denmark), So-ra Kim (Korea), Elke Krystufeck (Austria), Surasi Kusolwong (Thailand), Kyupi Kyupi (Japan), Soo-kyung Lee (Korea), So-mi Lee (Korea), Jung-ran Lee (Korea), Ken Lum (Canada), Zwelethu Mthethwa (South Africa), Aydan Murteazoglu (Turkey), Nikos Navridis (Greece), Veronica Nicholson (Ireland), Honoré d’O (Belgium), Ebru Özsecen (Turkey), Jae-hyun Park (Korea), Dan Perjovschi (Rumania), Steven Rand (USA), Sam Samore (USA), Bülent Sangar (Turkey), Anne Seagrave (Ireland), Ene-Liis Semper (Estonia), Young Shi (China), Myung-eun Shin (Korea), Jeung-eun Shon (Korea), Santiago Sierra (Spain), Ross Sinclair (United Kingdom), Nedko Solakov (Bulgaria), Grazia Toderi (Italy), María Zárraga (Spain), Guogu Zheng (China), Tiehal Zhou (China)

CONCEPTUAL FRAMEWORK:
The title «Leaving the Island» refers both to the desire and the need of making political, aesthetical and existencial borders more fluid and porous. Geographically, islands are pieces of land surrounded by the sea, and they are usually conceived as isolated worlds. In the human imaginary, islands have been mythical allegories of dreamed paradises, places for adventure and locations to rest after difficult journeys. But without human beings speaking about them, islands would be mute, silent pieces of rock and sand. Like human beings, islands are physical, economical and spiritual geographies. Water is the matter that sets the distance between islands and at the same time it is the medium that needs to be traversed to reach those distant realities. It is a frontier and a means of communication.
Artworks have long been seen as islands that condense meaning and beauty. Today the notion of the commodified art object linked to capitalistic ideologies is put into question and art is becoming a means to create new situations and to connect simbolically different individuals and communities. The sea is a powerful metaphore of a fluid and changing medium. Artists can then be seen as producers of deep streams or superficial movements of the waters. Art can be a tool to create new ways of navigation.
A new space of confrontation, negotiation and exchange between different cultures is hence created. It allows us to explore fundamental and urgent questions from aspiration to a better world in a new millennium to everyday violence, from social progress to new conflicts between classes, from globalisation to small events in life.
The three curators of the show – Young Chul Lee, Hou Hanru and Rosa
Martinez- have taken into account the maritim character of the city of
Pusan as a laborious and rich harbour where different kinds of trade take place. Relating this to the above mentioned need to erase aesthetical borders and to provoke new interchanges, they have decided to integrate their thoughts, their visions and their passions for different international artists with the goal of creating a unique mosaic in which the frontiers of who has selected whom are erased. By joining their forces, they are creating a temporary archipelago in which the artists, like floating islands, offer to the public their understandings of a very fast changing present.
In the context of an increasingly globalized world where the power of the media is commodifing even ideas and attitudes, «Leaving the Island» wants to update the utopian idea of connecting art and life, and it expresses the will of shortening the distance that separates art from other spheres of reality. The modernist glorification of the autonomy of art is not seen anymore as a sign of power but as an evidence of its loneliness. The idea of originality is no longer connected to the individual inspiration of a «genius» but to the stablisment of collaborative networks of critical interchange. The meaning and the function of art are being reinvented in relation to the last scienctific, anthropological and technological developements, as well as in connection to the global economies that make cities compete among them.

We conceive exhibitions as open zones and interrelated systems. This is why we hope that the show «Leaving the Island» makes of Pusan a meaningful place where the artists and the public share an atmosphere of aesthetical innovation and ethical concerns; where they can interchange ideas, emotions and sensations, and where they can understand a little bit better contemporary social, ethnical, religious and economical contradictions. Like this, maybe the different islands become peninsulas related to the rest of the world.

Young Chul Lee, Rosa Martínez, Hou Hanru.

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Places: Tokamachi City, Kawanishi Town, Tsunan Town, Nakasato Village, Matsudai Town, Matsunoyama Town
Organized by: Echigo-Tsumari Art Triennial Executive Committee
General Director: Fram Kitagawa (art director)
Art Advisors: Hou Hanru (curator/Ch), Rosa Martinez (curator/Sp), Tom Finkelpearl (curator/USA), Yusuke Nakahara (art critic/Jp)
Participating artists: about 150 artists from 23 countries.
Oficial website: http://www.echigo-tsumari.jp

The Echigo-Tsumari Art Triennial is a natural-setting festival for nature, art and human beings, which takes place every three years in six municipalities of Echigo-Tsumari.
The six municipalities launched the Echigo-Tsumari Art Necklace Project seven years ago, in partnership with Niigata Prefecture, to revitalize the region by taking advantage of its characteristics; they held the first festival of the Triennial in 2000. The Art Necklace Project is an enterprise designed to make use of art and plants in public projects such as the construction of roads, parks and cottages. The Triennial is a three-yearly presentation of the progress of this project that is held along with local traditional festivities. It was conceived with the firm belief that the landscape and the life of the people, both of which have been fostered with the blessing of nature since 5000 years ago, and the long relationship with the earth through agriculture are the most precious treasures of this region.
The artists discovered in Tsumari various features: namely heavy snow that covers the earth for half a year, farming during the rest of the year, people’s wisdom and warmth of heart brought about by such hardships, beautiful, ephemeral and strong nature and cooperation among the communities. The artists turned their discoveries into works of art in collaboration with local residents. Spread over an extensive rural setting, the artistic works that stood in front of the rice plants, whose colors changed everyday in fertile summer, allured many visitors. Some visitors complained about it being «too hot»,»too large» or «too far to walk», but they said it was «interesting» and they enjoyed their experiences using their five senses. The natural canvas appeared as though illuminated by art.
The first Triennial witnessed a great number of supporters who participated from outside of the region, in particular a young volunteer group named Kohebi-tai. It showed future possibilities in that regions could be promoted through cooperation or people networking, which crosses regions, generations and disciplines.

Features of the 2nd Triennial
For the second festival, artists are creating their works in terraced rice paddies, hamlets, the city areas and parks, and beside ponds and roads. The works are scattered over more than 50 areas at the communities’ request. Many artists are using traditional materials and methods, including kimono, farming tools and yukigakoi, a device for protecting a plant from snow. A great number of workshops have been held so far. The artists have been involved with the communities more profoundly than during the first triennial.
For this festival, a short video competition was organized. It is expected to expose how international artists understand Tsumari, a depopulated, mountainous and agricultural region and how they confront the crisis in the global environment. The winning works will be shown at everyday places such as waiting rooms, meeting places and restaurants.
In addition to 150 permanent and temporary works and 40 video works, several exhibitions are scheduled: a contemporary Aboriginal art exhibition from Australia, an Inuit textile exhibition from Canada and two local exhibitions on Jomon and Akiyamago. The exhibitions on indigenous arts, which have been adopted from ancient times and are being reevaluated as contemporary, will provide us with many ideas. Along with the exhibits on Jomon, Matagi (hunting) and agrarian culture, they will tell us about the relationships between the earth, human beings and art.
The Echigo-Tsumari Art Triennial is supported by many countries. The Netherlands presents «Real Lear», a play performed by Tsumari’s elderly people in collaboration with Dutch artists. We sincerely appreciate countries’ funding of the Triennial. Also, this triennial is characterized by the deep involvement of the aged and children. The 2003 summer in Tsumari is full of works of art, including the existing works created at the last Triennial, exhibitions, summer festivals and events.
Lastly, I am pleased to announce that Echigo-Tsumari Art Necklace has finally begun in full-scale with the completion of the three Stages. The Stages are planned to be the basis for the long-term vision of Art Necklace with the aim of rediscovering regional treasures with the help of artists and trying for independence through collaboration with artists. The Snow-Land Agrarian Culture Center in Matsudai Town will be managed focusing on land. The Museum of Natural Science in Matsunoyama Town will show prospects for preserving the region through ecological research. The concept of the Echigo-Tsumari Exchange Center in Tokamachi City is the exchange of products and information outside a mass consumer society.

Prospects for the Future
We have come to understand, over the six years we have been working on the Triennials, that although the 20th century was the age of cities, Japan and the rest of the world could not be developed only through urbanization; we now realized how important it is to review local properties deeply connected to nature and to encourage exchanges between the countryside and the cities, along with collaboration of people beyond areas, generations and genres. With the theme «Human Beings as Part of Nature», we wish to further exchanges between the countryside and the cities.
Art has worked as a tie between nature and human beings since ancient times. Art connects people to people. Please come to Tsumari in the summer. Walk around there and feel this connection.

Fram Kitagawa
General Director

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